Astăzi mi-am propus să aduc în discuție niște puncte din cartea “The $12 Million Stuffed Shark” de Don Thompson. Chiar dacă n-am putut gusta niciodată arta contemporană, efectiv nu pot ignora factorul de profitabilitate ridicol de mare. Adică, de la o banană lipită de perete cu bandă adezivă la taxidermia unui rechin e cale lungă, dar banii tot curg.
Să începem cu niște puncte-cheie, iar dacă te-a prins ideea, te invit să citești în continuare.
- Piața artei contemporane este dinamică și imprevizibilă, fiind influențată de branding, raritate și factori economici.
- Brandingul joacă un rol esențial în conferirea valorii unei opere de artă, indiferent de meritele sale estetice.
- Dealerii și casele de licitații, precum Sotheby’s și Christie’s, legitimează lucrările și contribuie la creșterea prețurilor.
- Raritatea este un factor cheie în stabilirea valorii unei opere de artă, în special pentru lucrările non-contemporane, ale căror prețuri cresc pe măsură ce devin din ce în ce mai rare.
- Colecționarii bogați nu sunt impresionați de sume mari, ci sunt atrași de bunurile poziționale, care conferă exclusivitate și statut social. Investițiile pe termen lung în artă pot fi riscante și ciclice, cu perioade de boom și prăbușiri de piață.
- Profiturile nu sunt garantate și necesită strategie și răbdare.Arta contemporană a umplut golul lăsat de scăderea disponibilității operelor istorice, obținând prețuri mari și devenind un segment dinamic al pieței.
- Dealerii joacă un rol crucial în determinarea succesului unui artist, iar relațiile cu aceștia sunt esențiale pentru accesul la lucrări de valoare.
- Construirea unei colecții de artă profitabile necesită diversificare, cercetare și o perspectivă pe termen lung, fiind de preferat să investești în mai multe lucrări decât într-o singură piesă scumpă.
- Muzeele tratează operele de artă ca active financiare, multe lucrări valoroase fiind depozitate, fără a fi expuse publicului.
Cuprins
Un rechin în descompunere suspendat în formol a făcut senzație când s-a zvonit că s-a vândut pentru suma impresionantă de 12 milioane de dolari. Nu era orice rechin, ci o lucrare de artă a artistului conceptual britanic Damien Hirst, intitulată „Imposibilitatea fizică a morții în mintea cuiva viu”. Dar de ce ar ajunge o operă de artă la un preț atât de astronomic? Pentru a răspunde la această întrebare, trebuie să explorezi lumea complicată a economiei artei contemporane.
Deși opera lui Hirst este fără îndoială iconică, valoarea ei nu este determinată doar de estetică. Vânzarea către miliardarul de fonduri speculative Steve Cohen a marcat cel mai mare preț plătit vreodată pentru o lucrare a unui artist în viață la acea vreme, evidențiind rețeaua complexă de factori care influențează piața de artă. Economia din spatele acestor sume incredibile depășește simplul nume al artistului. Implică colecționari, case de licitații, galerii și investitori care văd arta nu doar ca pe un artefact cultural, ci și ca pe un activ profitabil.
Brandingul este totul
Pentru cineva din afară, arta contemporană poate părea derutantă. Sunt multe povești despre îngrijitorii galeriilor care aruncă din greșeală opere de artă crezând că sunt gunoaie sau reacții de genul „copilul meu de cinci ani putea face asta”. Dar iată primul secret: pentru majoritatea celor din interiorul artei, arta contemporană este la fel de confuză.
Chiar și cumpărătorii experimentați pot să se simtă nesiguri în legătură cu achizițiile lor. Aici brandingul devine o forță esențială în piața de artă contemporană. Gândește-te la diferența dintre a spune: „Am cheltuit 7 milioane de dolari pe o statuie făcută din mingi de tenis vechi” și „Am cheltuit 7 milioane de dolari la Sotheby’s pe o statuie făcută din mingi de tenis vechi”. A doua variantă este mult mai convingătoare, deoarece brandingul legitimează și conferă valoare. La fel ca în modă sau în electrocasnice, galeriile de renume precum Gagosian sau White Cube și casele de licitații precum Sotheby’s sau Christie’s oferă colecționarilor încredere, iar asocierea cu aceste nume prestigioase crește instantaneu valoarea percepută a operei de artă. Brandingul nu se limitează doar la instituții.
Câțiva artiști, precum Andy Warhol și Damien Hirst, dar și colecționari precum Charles Saatchi, au atins statutul de brand. Odată ce un artist este recunoscut ca brand, piața acceptă aproape orice creează acesta ca fiind legitim și valoros. Să luăm exemplul seriei de picturi cu date ale lui On Kawara. Aceste lucrări minimaliste afișează o dată specifică, reflectând meditația lui asupra timpului și existenței. Deși simple în design și repetitive, aceste lucrări obțin prețuri mari nu pentru că sunt dificil de realizat sau rare, ci pentru că numele lui Kawara este un brand în sine. Jucătorii branduiți obțin prețuri mai mari.
O lucrare care ar putea să se vândă pentru 4.000 de dolari într-o galerie mică și necunoscută ar putea să ajungă la 12.000 de dolari la Gagosian. Chiar și vânzătorii beneficiază. Lucrările de artă branduite le permit celor care vând să negocieze condiții favorabile, precum comisioane de vânzare zero, deoarece privilegiul de a vinde o piesă cunoscută, precum un Picasso, este suficient de valoros pentru casele de licitații. Dar nu este vorba întotdeauna doar despre bani. Pentru ultra-bogați, sumele mari nu mai impresionează. În schimb, ei caută bunuri poziționale, obiecte a căror valoare provine din exclusivitatea și statutul lor.
Deținerea unui obiect precum White Flag al lui Jasper Johns nu este doar despre lucrarea de artă. Este despre capitalul cultural și social care vine cu ea. În lumea artei, brandingul nu este doar un instrument financiar, ci și o modalitate de a semnaliza poziția ta într-o ierarhie culturală extrem de competitivă.
Arta este rară
Ce au în comun aurul, diamantele și arta? Toate sunt bunuri rare, iar valoarea lor este profund legată de raritatea lor. Piața de artă, în special, prosperă pe baza ofertei limitate de opere de artă.
Deși arta contemporană poate părea omniprezentă, oferta de opere non-contemporane ale artiștilor precum Picasso, Modigliani sau Degas este în scădere. Pe măsură ce muzeele achiziționează mai multe piese și colecțiile private cresc, mai puține lucrări semnificative ajung pe piață, ceea ce face ca prețurile să crească vertiginos. De exemplu, o lucrare minoră a lui Paul Gauguin, Cavalier devant la case, s-a vândut pentru 969.000 de lire sterline în 1998. Dar când a reapărut în 2007, s-a vândut pentru 4,9 milioane de dolari. Un exemplu clar de cum raritatea crește valoarea. Pe măsură ce disponibilitatea artei non-contemporane scade, arta contemporană a început să umple golul, obținând prețuri mari și prestigiu sporit.
Segmentul contemporan este acum partea cea mai dinamică a pieței de artă. Artiști precum Andy Warhol, Willem de Kooning, Jasper Johns și Jackson Pollock au atins vânzări record. Lucrarea lui Pollock, No. 5, 1948, s-a vândut faimos pentru 140 de milioane de dolari în 2006, o sumă rivalizând cu cea a celor mai mari pictori moderni și impresioniști. În ciuda prețurilor ridicate și a vânzărilor spectaculoase, arta contemporană rămâne o piață relativ de nișă. Casele de licitații gestionează aproximativ 5,5 miliarde de dolari în vânzări de artă contemporană anual, iar când sunt incluse vânzările din galerii private și târgurile de artă, cifra se extinde la aproximativ 18 miliarde de dolari. Deși impresionantă, aceasta este încă modestă comparativ cu alte sectoare, fiind doar jumătate din cifra de afaceri anuală a Apple.
În final, raritatea este cea care alimentează piața de artă. Pe măsură ce numărul operelor istorice scade, arta contemporană se ridică pentru a satisface cererea pentru piese cu prețuri mari și prestigiu ridicat. Chiar dacă artiștii contemporani se apropie de recordurile de vânzare ale maeștrilor din trecut, atractivitatea durabilă a rarității continuă să modeleze piața.
Dealeri – gardienii critici
Pe piața artei contemporane, dealerul joacă un rol esențial în determinarea artiștilor care vor ieși în evidență. Arta prosperă datorită rarității și exclusivității, iar cu mii de artiști care ies de pe băncile școlilor de artă și galeriilor mici, dealerul este cel care decide care artiști vor reuși. Ca gardian al lumii artei, dealerul poate lansa sau distruge cariera unui artist.
Dealerii de top, precum Gagosian sau White Cube, reprezintă vârful de lance, gestionând artiști ale căror lucrări obțin prețuri amețitoare la licitații.
Imediat sub acest nivel elitist se află dealerii și galeriile mainstream. Acești dealeri oferă artiștilor prima mare șansă, introducându-i în comunitatea artistică. Însă, afacerea este riscantă. Galeriile se așteaptă adesea să suporte pierderi în primele expoziții ale unui artist, cu speranța că succesul ulterior va compensa investiția inițială. Mulți artiști nu ajung niciodată să genereze profit pentru dealer, dar cei care reușesc pot ridica galeria la noi culmi.
Totuși, doar aproximativ unul din două sute de artiști reprezentați de un dealer mainstream va vedea vreodată lucrările sale vândute la marile case de licitații, precum Christie’s sau Sotheby’s. Dacă un artist nu obține o reprezentare în primii doi ani după absolvire, șansele lui de a avea o carieră de succes scad semnificativ. Sprijinul financiar este esențial, deoarece majoritatea galeriilor funcționează cu pierderi în primii câțiva ani. Patru din cinci galerii eșuează în decurs de cinci ani, iar patronii bogați reușesc adesea să obțină condiții care subminează integritatea artistică, cum ar fi dreptul de preempțiune asupra lucrărilor, fără adaosurile obișnuite ale dealerului. Dealerii operează de obicei pe un model de consignație, luând 50% din vânzări, în timp ce vânzările pe piața secundară — adică revânzarea lucrărilor achiziționate anterior — le completează veniturile.
În unele cazuri, dealerii pot influența prețurile licitând la licitații pentru lucrările artiștilor lor, crescând astfel cererea. O altă sursă de venituri este reprezentată de drepturile subsidiare, precum drepturile de reproducere sau de expoziție. De exemplu, în anii 1990, un investitor a plătit 8 milioane de dolari pentru seria de picturi Helga a lui Andrew Wyeth. Prin obținerea drepturilor subsidiare, a câștigat 1,2 milioane de dolari din împrumuturi pentru expozițiile în muzee, 2,8 milioane de dolari din redevențe pentru un catalog și, ulterior, a vândut picturile unui colecționar japonez pentru 40 de milioane de dolari, păstrând totodată drepturile de reproducere evaluate între 9 și 12 milioane de dolari. Un profit destul de bun pentru investiție.
Muzeele văd operele de artă ca pe active
În 1997, artistul rus Alexander Brenner a provocat controverse când a desenat cu spray un semn verde de dolar pe lucrarea Suprematism, 1920-1927, a lui Kazimir Malevich, la Stedelijk Museum din Amsterdam. În timp ce mulți au văzut acest gest drept vandalism, Brenner a susținut că era o formă de artă performativă, criticând modul în care banii au compromis sensul și diversitatea în lumea artei. Mesajul său a rezonat cu mulți artiști contemporani.
Astăzi, piața și banii sunt inextricabil legate de valoarea artistică. Prețul în sine conferă sens în lumea artei contemporane. Lucrările care ating sume mari nu sunt considerate valoroase doar din punct de vedere monetar, ci și artistic. Andy Warhol a surprins această ironie în propriile sale lucrări, afirmând faimos: „Îmi place să văd banii pe perete”. Pentru Warhol, arta și banii erau două fețe ale aceleiași monede, un comentariu asupra modului în care piața ridică arta prin simpla putere financiară. Totuși, paradoxal, multe dintre cele mai valoroase opere de artă din lume sunt ascunse de ochii publicului.
Doar în Marea Britanie există aproximativ 150.000 de picturi în muzee și galerii, cu o cifră uimitoare de 120.000 dintre ele depozitate la un moment dat. La nivel global, mai mult de jumătate dintre operele de artă deținute de muzee rămân nevăzute, fiind tratate mai degrabă ca active financiare decât ca comori publice. Arta depozitată nu are valoare doar pentru semnificația sa culturală, ci și pentru potențialul său financiar. Ocazional, aceste lucrări depozitate revin în atenția publicului prin închiriere.
De exemplu, Luvrul a închiriat numele și colecția de artă către Luvrul din Abu Dhabi pentru 575 de milioane de dolari, cu încă 400 de milioane de dolari pentru a licenția numele pentru 20 de ani. Ironia constă în faptul că, deși numele și operele de artă au comandat sume imense, clădirea muzeului din Abu Dhabi a avut un buget de doar 115 milioane de dolari, reflectând clar cum lumea artei prioritizează valoarea numelui și a lucrărilor de artă în detrimentul spațiului în care sunt expuse.
Arta ca investiție
Galerista Mary Boone a remarcat odată că unii oameni cumpără artă ca pe bilete la loterie. În timp ce mulți colecționari achiziționează artă pentru că se conectează cu piesele sau pentru că o mare parte din arta mai veche a fost absorbită în muzee și colecții private, alții văd arta ca pe un activ care se apreciază în timp. Dar este această credință corectă? În majoritatea cazurilor, arta nu este o investiție eficientă sau profitabilă.
Piețele de artă sunt notoriu ciclice, iar istoria este plină de boom-uri și prăbușiri dramatice. În anii 1980, cererea pentru arta impresionistă părea de neoprit, atingând un vârf în 1990, când lucrările lui Gauguin și Renoir s-au vândut pentru 82,5 milioane de dolari și, respectiv, 78,1 milioane de dolari într-o singură săptămână. Totuși, doar un an mai târziu, bula pieței s-a spart, determinată de recesiunea globală și Războiul din Golf. În 1991, o licitație de lucrări impresioniste a văzut cum 41 de loturi au rămas nevândute. A fost nevoie de până în 2005 pentru ca prețurile să revină la nivelurile lor anterioare. Chiar și muzeele de top și colecționarii cu experiență rareori obțin profituri astronomice.
De exemplu, Whitney Museum a achiziționat lucrarea Garçon à la pipe a lui Picasso pentru 30.000 de dolari în 1950, iar vânzarea ei la Sotheby’s în 2005 pentru 104 milioane de dolari a fost un succes care a făcut titluri. Totuși, colecția Whitney a înregistrat o apreciere medie anuală de doar 7%, iar o cincime din lucrările vândute la licitație au adus mai puțin decât costul lor de achiziție. Colecționarii de profil înalt, precum Charles Saatchi, care pot influența piața prin achizițiile lor, sunt rare excepții. Majoritatea colecționarilor trebuie să navigheze prin valurile imprevizibile ale pieței, iar casele de licitații resping patru din cinci lucrări oferite spre vânzare.
Construirea strategică a propriei colecții de artă
Poți să faci bani ca investitor în artă? Răspunsul este da, dar, la fel ca orice investiție, construirea unei colecții profitabile de artă contemporană necesită cercetare, strategie și răbdare. În primul rând, este esențial să aduni informații. Începe prin a vizita galerii în marile centre de artă precum Londra, New York, Berlin și Paris.
Aceste orașe se află în avangarda scenei de artă contemporană, oferind o fereastră spre tendințele emergente și artiștii în devenire. Mulți investitori se bazează și pe serviciile de consultanță artistică ale băncilor de investiții, care oferă informații valoroase despre artiști promițători. Cheia este să cauți artiști care au o traiectorie puternică, în loc să pariezi pe necunoscuți complet. Construirea relațiilor cu dealeri de încredere este, de asemenea, importantă. Dealerii sunt gardienii lumii artei, iar colecționarii trebuie adesea să își dovedească seriozitatea înainte de a li se permite să achiziționeze lucrări de la artiști foarte căutați.
Cu strategia potrivită și o perspectivă pe termen lung, o colecție de artă contemporană poate fi, într-adevăr, profitabilă.
Concluzie
În acest rezumat al cărții “The $12 Million Stuffed Shark” de Don Thompson, ai învățat că piața de artă contemporană este dinamică și imprevizibilă, condusă de factori precum brandingul și raritatea. Dealerii, colecționarii și casele de licitații joacă roluri cheie în modelarea recepției economice a operelor de artă contemporană. În timp ce unii văd arta ca pe un activ care se apreciază în timp, istoria ne arată că piața este ciclică, cu boom-uri frecvente urmate de căderi dramatice.
Arta contemporană a devenit nu doar o expresie culturală, ci și o investiție economică pentru mulți colecționari și investitori. Totuși, nu toți colecționarii caută un câștig financiar direct; unii o fac pentru statutul social și prestigiul pe care deținerea unei opere de artă valoroase le conferă. Brandurile precum Sotheby’s sau Christie’s oferă o formă de legitimitate operelor de artă, iar numele marilor artiști devin în sine o garanție de valoare, la fel ca un brand puternic în modă sau în industria produselor de lux.
Pe de altă parte, piața de artă contemporană este și extrem de volatilă. Prețurile unor lucrări pot crește rapid în funcție de raritate, reputația artistului sau interesul colecționarilor de renume, dar pot scădea la fel de repede în perioade de recesiune economică sau schimbări de modă în lumea artei.
În cele din urmă, dacă îți dorești să îți construiești o colecție de artă, strategia de succes constă în diversificare, răbdare și cunoștințe aprofundate. Relațiile cu dealeri de încredere și investirea în opere ale unor artiști emergenți pot aduce profituri pe termen lung. În schimb, investirea sumei întregi într-o singură lucrare poate fi riscantă.